Le sampling

La pratique de la musique demande de connaitre son instrument en profondeur. En l'occurence, l'utilisation d'un sampler requière quelques notions sur la nature du son, nous allons donc nous pencher sur certaines de ses facettes...

Bien sampler

Repérez la partie qui vous intéresse et samplez en démarrant un peu avant et en finissant un peu après la portion qui vous intéresse. Il est facile de couper ce qui est en trop alors que vous ne pouvez pas récupérer ce qui manque. Il faut conserver uniquement la partie intéressante afin d'économiser de la mémoire, et pour "caler" le sample si c'est une boucle. Dans tous les logiciels, vous pouvez visualiser la courbe sonore. Si c'est un son qui doit être continu, une nappe par exemple, la boucle se fera pendant le sustain (partie 3 de la fig. 1). Repérez la phase et bouclez de préférence sur des points zéros : quand la courbe passe par l'origine. Vous éviterez ainsi des "clics" désagréables.

Pour que le son soit le plus fidèle possible, samplez au volume maximum sans distorsion. En effet, si vous enregistrez à 1/8 du volume, vous pouvez toujours 'augmenter après, mais la courbe est moins bien définie (1/8^ème, par rapport à 100% du volume, c'est trois bits de précision en moins). Ceux qui ont zappé l'article sur les notions de base devraient quand même y jeter un œil.

Samplez en qualité maximum, quitte à la dégrader après si vous avez des problèmes de mémoire. Même si vous ne n'utilisez votre sample que rarement et en fond et que vous décidez de le convertir en mono 22Khz, vous pourriez avoir envie de l'utiliser en partie lead sur un autre morceau. Si vous oubliez où vous avez récupéré votre son, vous pourriez devoir renoncer à l'utiliser.

Utiliser des samples

Evitez d’utiliser le même sample sur 10 octaves : en effet, utiliser un seul sample sur une octave, c'est déjà limite. Quand vous jouez sur un piano, il y a de réelles différences entre les différentes notes, ce n'est pas qu'une affaire de pitch.
Comme vous le savez également, amis guitaristes et bassistes, chaque corde à son propre son. Le mieux est donc d'avoir des samples pour chaque octave d'un instrument (au minimum).

Réglez le tempo : si vous n'êtes pas satisfait de la vitesse d'un sample (par exemple, des vocaux qui sont mal calés), il existe une méthode dite time-streching qui permet de changer le tempo d'un sample sans modifier sa hauteur. Ou à l'inverse, de changer la hauteur sans changer le tempo pour l'adapter à la tonalité du morceau (pitch-shifting).
Certains logiciels permettent de régler le tempo d'un morceau fait avec des samples en temps réel sans changer la tonalité (ce serait facile si c'était du midi, mais c'est moins évident avec des samples), tels que Sonic Foundry Acid.
Mise en garde : cette opération dénature le son d'autant que vous le tempo résultant est éloigné du tempo d'origine.

Constituez-vous une grosse banque de samples (ghost, attaque, glissés...). Ca paraît évident, si vous voulez que votre morceau vive un peu, il va falloir faire des nuances. Pour chaque instrument, essayez d'avoir le plus de nuances possibles (pour une caisse claire, plusieurs forces de frappe, rimshot, les deux combinés, etc.).

Transmettez-le en numérique. Ca paraît évident aussi. Comme pour le reste des données numériques, il faut éviter de les passer en analogique, ce qui reviendrait à faire des samples de samples.

Personnalisez vos samples. Quel intérêt d'avoir "le même son que…" ? Quand vous avez récupéré un son, faites-lui subir des transformations afin que ce soit VOTRE son. Faites au moins une égalisation qui vous plaît, ajoutez des effets…

Egalisez le volume. Plutôt que de devoir égaliser chaque sample par rapport à une valeur qui lui est propre, normalisez-les. La normalisation permet de donner un volume relatif. Ainsi, vous verrez mieux quel sample est joué fort et quel autre est joué à faible volume simplement en regardant les niveaux de la section de mixage.